33 найкращих індустріальних альбомів усіх часів

У жовтні 1976 року колектив виконавців перформансу Coum Transmissions представив виставку «Проституція» у Лондонському інституті сучасного мистецтва. На відкритті замість вступної промови було влаштовано стриптиз-шоу: поряд з оголеними фотографіями учасниці Coum Козі Козі Фанні Тутті, трупа демонструвала використані тампони, забруднені бинти та пляшки з кров'ю. На відкритті вперше виступив спеціальний домашній гурт Coum - Throbbing Gristle, вокаліст якого Дженезіс Пі-Оррідж співав про кастрацію чоловіків або вирізання плодів з їхніх вагітних дружин. Новини про шоу розлетілися всюди. Воно настільки обурило британську культуру, що один консервативний член парламенту оголосив Coum Transmissions «руйнівниками цивілізації».

У каталозі ICA за 1976 рік Throbbing Gristle описані як «DeathRock Music». На той час, коли гурт випустив свій перший альбом, до якого увійшли записи з прем'єри Prostitution, вони віддали перевагу іншому визначенню: «Індустріальна музика для індустріальних людей» - таким був слоган їхнього нещодавно заснованого лейблу Industrial Records. Цей термін резонував на кількох рівнях: Він відображав пейзаж рідного для Throbbing Gristle Галла, одного з багатьох англійських містечок, архітектура яких була перетворена промисловою революцією, а потім спорожніла внаслідок скорочення виробництва. Це нагадувало про «Фабрику» Енді Ворхола, студію, де нью-йоркський художник переносив образи капіталістичного масового виробництва до світу образотворчого мистецтва. Музика Throbbing Gristle теж часто буквально нагадувала роботу на фабриці, з її палючими електронними шумами й гуркотливою перкусією; проте верескливий вокал Пі-Орріджа прагнув перевернути уявлення про покірного робітника, який працює в умовах капіталізму. Андрогінний, грайливий та зловісний, його голос простежував лінію втечі від задушливих обмежень навколишнього середовища.

Це було звучання процесу роботи, але це було також звучання відмови від роботи. Throbbing Gristle - з багатьма індустріальними гуртами, що послідували за ними, - перенесли цей металевий гуркіт до музики, яка спочатку не була призначена для того, щоб приводити до руху людей. Їдка й провокативна, вона не мала великого ринкового попиту, але знайшла свою цільову аудиторію. По інший бік Атлантики чиказька музична крамниця під назвою «Wax Trax!» почала займатися імпортом звучання англійського безправ'я на Середній Захід, регіон, у якому також спостерігалися індустріальний бум та економічний спад. Керований Джимом Нешем та Денні Флешером, які були діловими партнерами та гомосексуальною парою, Wax Trax! сформував свій власний лейбл у 1981 році. Його першим виданням став 7-дюймовий сингл культової драг-квін Дівайн.

Протягом 80-х років Wax Trax! закріплював звучання індастріалу, випускаючи релізи місцевих та закордонних гуртів, як-от Ministry, Front 242 або My Life With the Thrill Kill Kult. Магазин та лейбл також слугували прихистком для певної частини чиказької спільноти квірів. «Wax Trax! був співтовариством людей, найрізноманітніших людей, які не відчували, що вони належать до нього, що їх цінують, визнають або приймають в інших місцях», - сказала Джулія Неш, дочка Джима, під час інтерв'ю цієї весни. «Цей лейбл приймав усіх. Гей-спільнота, я думаю, була такою самою: вони були ізгоями. Будь-яка з цих маленьких спільнот була вигнанцем, натомість усі вони знайшли затишне місце та дім на Wax Trax!».

Для людей, яких вважали нікчемними та непотрібними, викинутими за рамки стандартної розповіді про гетеронормативне життя, індустріальна музика давала різкий й мінливий відгук. У 80-ті роки відкриті геї з синтипопу, такі як Culture Club або Frankie Goes to Hollywood, заповнили радіоефір, але їхні пісні здебільшого були присвячені нерозбавленому задоволенню чи солодкому ескапізму. Це було приголомшливо, але для багатьох гей-поп був недостатнім. У ньому не було слів про те, як важко жити як квір за епохи Рейгана та Тетчер. Вона не була достатньо жорсткою.

Основою індустріальної музики були погляди квірів та трансів. Після розформування Throbbing Gristle у 1981 році синтезаторник Пітер «Sleazy» Крістоферсон приєднався до свого хлопця Джона Беланса та створив гурт Coil. Дженезіс Пі-Оррідж почала зміну статі після одруження з Жаклін Бреєр, відомою як Леді Джей, у 1995 році. Для Пі-Орріджа перехід був не просто вираженням «істинної» ідентичності, що давно дрімала, а й самостійним арт-проектом. Він/вона та Брейер зробили операцію, щоб стати більш схожими один на одного, у межах проєкту, який вони назвали «Пандрогін».

Звісно, індустріальна музика також стала домівкою для потоків гніву натуралів. Оскільки жодне табу не було надто екстремальним, щоб залишити його поза увагою серед текстів пісень цього жанру, чимало альбомів зрештою відтворювали патріархально-жінконенависницьке насильство, що й досі ледве ховається серед мейнстримної культури. У цьому списку є артисти, які співають про зґвалтування, а є артисти, яких у цьому звинувачували. Мистецтво, яке прагне обурити можновладців, завжди несе в собі ризик повторення гноблення, яке воно намагається подолати.

Наприкінці 80-х та на початку 90-х, коли індастріал був представлений у мейнстримі групою Nine Inch Nails, він опинився в одному ряді з синтипопом, від якого колись так рішуче відмежувався. Виявилося, що поп та індастріал не такі вже й діаметрально протилежні, навіть якщо Джонні Кеш, який виконує пісню «Hurt», все ще звучить як поганий жарт на папері. Але індастріал пережив свою санацію. Він просочився до XXI століття, де артисти на кшталт Мікі Леві, Pharmakon або Clipping. перетворюють його хаос на одну з найзахопливіших робіт нового тисячоліття.

Пізній капіталізм продовжує свій галоп до забуття, а робота на повну ставку, як і раніше, зникає зі США та Великої Британії, а на зміну їй приходить лише пекельна гіг-економіка. Це дуже вдалий час для того, щоб кричати, бити предмети домашнього побуту та перевантажувати паскудний підсилювач. Індастріал вийшов з темного періоду, тінь якого, можливо, ніколи не зникне. Але він став доказом того, що навіть у важких умовах люди, які усвідомлюють ворожість капіталізму й обмеженість гетеропатріархату, завжди можуть об'єднатися та наробити до біса багато шуму. - Саша Геффен

Controlled Bleeding: Knees and Bones (1985)

«Важко повірити, що хтось дав нам можливість закарбувати це на платівці», - написав Пол Лемос у примітках до перевидання “Knees and Bones”, дебютного повноформатного альбому звукозаписного проекту Controlled Bleeding, який не піддається визначенню. Прослухавши цей пульверизаційний ранній запис - 50-хвилинний шторм потужної електроніки, спочатку представлений на вінілі як дві частини без назви, - можна зрозуміти, що він має на увазі. Звуковий еквівалент розмитої ксерокопії кадру з фільму жахів, цей запис міг би легко стати просто дивиною: різким, каламутним нойз-альбомом з хлопцем, який засовує щурів собі в обличчя на обкладинці. Натомість він послужив тональною основою для десятиліть майбутньої музики гурту, яка розсовуватиме межі: кар'єра, що торкнеться джазу, прогресивного року, дабу та інших напрямів. Прислухайтеся, й ви почуєте, як десь під гуркотом зароджується сім'я всіх цих кошмарів. - Сем Содомський

Revolting Cocks: Beers, Steers + Queers (1990)

Спочатку група була заснована як тристороння співпраця Ела Юргенсена з Ministry, Річарда 23 з Front 242 та Люка Ван Акера. У 1987 році, після того як Річард 23 покинув місто, Revolting Cocks залучили шотландського співака Кріса Коннеллі для виконання вокальних партій. Поява на чиказькій індустріальній сцені стала для молодого музиканта справжнім культурним шоком: «Мені був 21 рік, я був родом з маленького містечка з Шотландії, приїхав до Чикаго та потрапив до цього виру», - сказав він під час інтерв'ю у 2008 році. «Це була найгучніша, найжорстокіша музика, яку я коли-небудь чув, до того ж вона здалася мені музикою майбутнього». Юргенсен та компанія затягнули новачка до цього вихору, і, як не дивно для нього самого, він там процвітав. Поїдене іржею виття Коннеллі робить Beers, Steers + Queers однією з найвеселіших та найнешанобливіших платівок, що вийшли з Wax Trax! «I'm in free fall and nothing holds me back», - співає він поверх щільної басової лінії у «Razor's Edge». Жорсткіший та більш згуртований, ніж дебютний диск RevCo 1986 року Big Sexy Land, Beers, Steers + Queers, пропонує біти, що трясуть тіло, з отруйною усмішкою. - Саша Геффен

Pharmakon: Abandon (2013)

Маргарет Чардьє наробила галасу у Нью-Йорку задовго до того, як стала достатньо дорослою, щоб виступати у його барах під ім'ям Pharmakon. (У інтерв'ю Pitchfork 2013 року вона зазначила: «Я ходила на панковиступи з самого дитинства - батько привів мене на концерт Nausea й кинув мій брудний підгузок до ями»). Вона випустила кілька 7-дюймовок та касет D.I.Y., перш ніж у віці 22 років випустила свою першу широкодоступну платівку Abandon. На обкладинці були зображені личинки, що повзають по її тілу, та вона відмовилася використовувати соціальні мережі для просування. Щире панківське ставлення бадьорить; наче Чардьє в дитинстві слухала No New York, вирішила, що він недостатньо важкий, відтак вирішила боротися з цим самотужки.
Відкриваючись буквально криком, Abandon демонструє багатооктавний голос Чардьє, який може звучати так, ніби його проціджують через іржавий фільтр; він слугує провідником для важких тем (смерть, тіла, що руйнуються) та слугує заглушкою для катаклізмічної, непоступливої атмосфери. Проте, хоч би як хаотично і щільно звучав її зворотний зв'язок, Чардьє - авторка, яка повністю контролює світ, який вона створює: «Crawling on Bruised Knees», наприклад, не про благання. Це про витривалість та виживання, поки не настане неминуче розкладання. - Брендон Стосуї

clipping...: Splendor & Misery (2016)

Хіп-хоп та індастріал - жанри, що мають паралельну хронологію та драм-машини, але вони значно відрізняються за етнічним/расовим складом учасників гуртів та першопричинами їхнього похмурого світогляду. Багато реп-гуртів, як-от Public Enemy або Bomb Squad, починали з бадьорих ритмів, але потім розмили межі між жанрами, створивши глибоко нойзові треки, що можуть скоріше зупинити вечірку, ніж зробити її більш запальною.
З іншого боку, Clipping. привнесли індустріальний хіп-хоп до XXI століття, випустивши Splendor & Misery, галасливий, оперний, афрофутуристичний концептуальний альбом, який простежує низхідну спіраль між тим, хто залишився єдиним уцілілим після повстання рабів на космічному кораблі, а також штучним інтелектом, який підтримує корабель у робочому стані. До складу тріо з Лос-Анджелеса входять доктор експериментальної музики (Вільям Хатсон), кінокомпозитор (Джонатан Снайпс) та зірка «Гамільтона» (Девід Діггс), який здобув премію «Тоні»; на цьому альбомі вони також підключили госпел-хор, що додав похмурому звучанню гурту свіжої величі у стилі Nine Inch Nails. За формою та змістом альбом дає уявлення про те, чого так бракує індастріалу: про те, що капіталістична система, яку жанр завжди критикував, - система влади, що отруює наш час, оточення й бажання, - ніколи не може бути відокремлена від її расового контексту. - Дафна Карр

Lords of Acid: Voodoo-U (1994)

Дебютувавши у 1991 році з альбомом Lust, Lords of Acid були найбільш відомими бельгійськими нью-біт хітами з гумористично брудними текстами - такими клубними філерами, які хлопці з драмгуртка з гормональним збудженням могли включати до своїх мікстейпів. Але шалені брейкбіти, верескливий вокал та подвійні гітарні й клавішні рифи Voodoo-U були не стільки веселими, скільки лякаючими. Звучання «Needles-in-the Red» було таким самим гучним, розпусним та кавернозним, як і обкладинка художника COOP, що зображає флуоресцентно-помаранчеву оргію всередині пекла. Дійсно, такі яскраві композиції, як «The Crablouse» (що оспівує оргазмічні здібності лобкових вошей) та явно чаклунський заголовний трек, надають музиці для людей, які просто дуже хочуть трахати інших людей у чорних сітчастих топах та латексних штанях, демонічної актуальності ритуалу виклику. Давайте, судіть про це за обкладинкою. - Шон Т. Коллінз

Prurient: Pleasure Ground (2006)

Безкомпромісний нью-йоркський мультимедійний художник Домінік Ферноу - це майстерня індустріального шуму. Він не тільки записується під ім'ям Prurient, а й має кілька інших псевдонімів у нойз-, мінімалістській електроніці та блек-метал-сценах (див.: Rainforest Spiritual Enslavement, Vatican Shadow, Ash Pool). Він також керує лейблом Hospital Productions, який налічує понад 150 релізів - більшість з них виготовлені вручну та пронумеровані, подекуди накладом у 666 примірників.
За всієї цієї продуктивності чи потенційних можливостей входження, Prurient's Pleasure Ground демонструє те, що Ферноу робить найкраще, у шокуюче лаконічній манері. У чотирьох довгих фрагментах з роздутим зворотним зв'язком індустріальні кристали льоду елегантно змішуються з ембієнтним гулом та прослизаннями контакту-мікрофона. Платівка закінчується «Apple Tree Victim», найромантичнішою піснею у стилі harsh noise, яку ви коли-небудь чули. У ній вигуки й завивання Ферноу вливаються у заворожуючу хвилю зворотного зв'язку, що нахлинула, і це здається чимось особистим, універсальним та екстатичним. Це ключ до розгадки його творчості: Ферноу розуміється на незрозумілих та несподіваних мелодіях, але що ще важливіше, він наділяє найгучніший шум, що розриває голову, тихим серцем, яке тихо б'ється. - Брендон Стосуї

Chris and Cosey: Heartbeat (1981)

«Індустріальна музика для нас полягала в працьовитості», - згадує Коузі Фанні Тутті про свою роботу в новаторському гурті Throbbing Gristle. «Справа була не в індустріальних звуках». Її думка підтвердилася, коли після розпаду TG вона та її соратник/партнер Кріс Картер створили новий дует, відійшовши від суворих текстур гурту до більш легкої і мелодійної сфери. Музика, що увійшла до дебютного альбому Heartbeat, охоплює безліч жанрів - мінімалістичне техно, космічний сінті-поп, відрізки моторошнуватої атмосфери - але при цьому зберігає грубий, покритий корозією вигляд. Від скреготливого пульсу платівки-відкривачки «Put Yourself in Los Angeles» до сліпучого науково-фантастичного заголовного треку, їхня концепція та змішання текстур вплинули на безліч електронних виконавців; вони також дали колегам-індустріальним музикантам шлях до збереження своєї напруженості, водночас вчачившись полегшуватися та еволюціонувати. - Сем Содомскі

Whitehouse: Erector (1981)

Ваш стаціонарний телефон потихеньку ламається? Ваші роботи-птахи агресивно спаровуються? Ви слухаєте биття свого серця, що проектується через мегафон? Можливо, ви просто програєте Erector, божевільний альбом гурту Whitehouse. Чотири пісні, записані тріо під керівництвом Вільяма Беннета, деконструювали індастріал та сформували піджанр, який він пізніше назве «power electronics». Її звуки навіюють думки про технологічну смерть та екстаз, наче печатні плати були випущені на волю та хочуть лише верещати. Зрідка можна знайти ритм, але є й такі жахливо високочастотні звуки, що грати їх - все одно що приймати виклик. Прислухайтеся, і ви виявите, що не тільки смієтеся, а й здригаєтеся; жоден з таких безглуздих звуків не повинен сприйматися так серйозно. Коли Беннетт кричить від болю за завісою шуму, ви знаєте, що він завдає болю тільки собі. Дозвольте собі трохи мазохістської усмішки за його рахунок. - Метью Шніппер

Death Grips: The Money Store (2012)

Революція не буде показана по телебаченню, тому що Death Grips щойно вибили екран вашого телевізора й закричали вам у обличчя «I've seen footage!». Вони і є революція, породжена індастріалом, нойз-роком, репом та інтернетом загалом. Дебютний альбом тріо, The Money Store, став для барабанщика Зака Хілла, інструменталіста Енді Моріна та вокаліста Стефана Бернетта (він же MC Ride) переворотом, що дав змогу Л. А. Ріду підписати контракт з Sony на їхні психотичні, непристойні розриви. Продюсування повнозвучне та тривожне: у переповненій суміші електроніки 80-х та гортанних звуків Моріна та Хілла лунають пісні «Бітлз», крики Серени Вільямс під час тенісного матчу, аудіо-фрагменти з викинутих мобільних телефонів, знайдених у пустелі Сахара, та багато чого іншого. Це полеміка проти капіталізму й насильства, що використовує мейджор-лейбл для поширення агресивної соціальної агітації. The Money Store - це як штовхати вулики та гризти скло, кидатися до ями з брудом та слухати Гіла Скотта-Херона під DMT. Це, як і раніше, силове захоплення влади художниками, які ніколи не робили цього інакше, крім як по-своєму. - Джеремі Д. Ларсон

Throbbing Gristle: D.o.A: The Third and Final Report (1978)

D.o.A. не був ані останнім альбомом Throbbing Gristle, ані третім. Усе почалося з їхнього дебютного запису, здебільшого концертного, який вони назвали The Second Annual Report як акт м'якого тролінгу; він задав параметри дивної, вільної та похмурої психоделічної музики гурту. D.o.A. їх викристалізував.
D.o.A., що складається як з колективних робіт, так і з сольних композицій усіх чотирьох учасників гурту, приглушив світло на тому, що і так було неймовірно примарним проєктом. Подряпинні звукові колажі, поперемінно заспокійливі й нудотні, нагромаджуються на похмурі гітарно-струнні замальовки та первозданні звуки «біп» чи «блуп». Це електронна музика, створена художниками, які глибоко скептично ставилися до технологій, електронна музика, створена людьми, які вже могли передбачити, що нові блискучі іграшки майбутнього зливатимуть токсини на звалища. D.o.A. пропонує безліч гротескно жорстоких образів - від травм тупим предметом до опіків третього ступеня, - але алхімізує ці жахи до парадоксального відчуття комфорту. Так Throbbing Gristle змусили конфронтаційну, уїдливу та часто огидну музику відчути себе, як вдома. - Саша Геффен

Nurse With Wound: Soliloquy for Lilith (1988)

У єврейській міфології Ліліт була першою жінкою, вигнаною з Едему за те, що наполягала на своїй рівності з Адамом. Найчастіше її називають тезкою «Lilith Fair», фестивалю Сари Маклахлан, присвяченого жінкам, який дебютував у 1997 році. А в більш похмурих куточках вона - муза «Soliloquy for Lilith», дуже гучного релізу 88-го року Nurse With Wound, тогочасного сольного проєкту Стівена Степлтона. Цей монолог набуває шекспірівського рівня ламентацій, що гудуть упродовж восьми треків та понад двох годин. Хоча Степлтон не чужий гуркоту, Soliloquy for Lilith використовує підхід «менше-більше» до індустріальної музики, інвертуючи гучний жанровий жах на більш похмурий звуковий туман. Це зовсім не схоже на святкові наміри Lilith Fair; це звучить скоріше як місце, куди вона потрапила після Едему. В іудаїзмі немає ні раю, ні пекла, але це диявольська музика. - Метью Шніппер

Tackhead: Tackhead Tape Time (1987)

У середині 1980-х британський продюсер Адріан Шервуд створив сузір'я гуртів з домашньою ритм-секцією піонерського хіп-хоп лейблу Sugar Hill Records: з барабанщиком Кітом ЛеБланом, басистом Дагом Вімбішем та гітаристом Скіпом МакДональдом. Незабаром вони виступали разом щонайменше під чотирма різними назвами, включно з Fats Comet або Maffia. Tackhead - це назва, яку ансамбль дав своїй важчій, політичній роботі, музиці, яка, на їхню думку, не мала реальної комерційної вигоди. Після того як Шервуд спродюсував альбом Ministry 1985 року Twitch, його пристрасть до грубіших та жорсткіших ритмів перейшла до Tackhead Tape Time, дебютного студійного альбому гурту. Змішуючи семпли, реп, драм-машини з живими інструментами, платівка пов'язує воєдино нитки, що з'єднують хіп-хоп та індастріал - обидва жанри створили художники в занедбаних постіндустріальних районах, які наважилися знайти нестандартне застосування електронним музичним технологіям. Альбом Tackhead 1989 року Friendly as a Hand Grenade відшліфував багатогранне звучання гурту, але саме на дебютному диску можна найчіткіше почути, як два споконвічні жанри з'єднуються на щось нове й життєво важливе, захоплюючу химеру, відгомони якої можна почути й сьогодні. - Саша Геффен

Pigface: Fook (1992)

Проєкт Pigface зародився серед бек-інструменталістів у турі Ministry «The Mind Is a Terrible Thing to Taste», а очолив його барабанщик Мартін Аткінс, який уже встиг заробити собі андеграундну репутацію за п'ять років у PiL та Killing Joke. Як і буває у проєктах з «обертовими дверима», гурт переслідувала непослідовність як у живих виступах, так й у записах, але Fook - це єдине документальне свідоцтво його успіху як нагнітального клапана для поп-мислячих експериментаторів, вихованих у дусі DIY. У ньому беруть участь кілька чоловічих та жіночих вокалістів, тож він якимось чином плавно переходить від британського язичницького фолку до несамовитого електро-хардкору та до середньотемпових, змійовитих грувових піснеспівівів, характерних для індастріалу, що найкраще видно на головній композиції альбому «Hips, Tits, Lips, Power!». Усе тримається на фірмових колосальних барабанах Аткінса, які вирізняються рідкісною для жанру розгонистою музичністю. - Дафна Карр

Swans: Greed/Holy Money (1986)

Осквернення, ненависть до себе, плоть, влада: такий зміст Swans, сумнозвісного, гучного й трансгресивного нью-йоркського нойз-гурту, який протягом десятиліть очолював Майкл Джіра. До моменту появи Greed/Holy Money вони підірвали своє звучання - два басисти, три барабанщики, вокаліст Джарбо - та перетворилися на камерний гурт громіздкої постіндустріальної агресії, який марширував проти ярмарку кокаїнового декадансу в Нью-Йорку середини 80-х. Пісні Swans, особливо за цієї епохи, - це дослідження: статус-кво, фетиші, витримка, пороги. З охолоджувальною присутністю Джарбо, що виходить на перший план, та печерним продюсуванням, просоченим смородом підвалів та шкіри, Swans починають розкривати більше шарів у своїх композиціях, їхню боротьбу з релігією та контраст світлого й темного, щоб надати їхній роботі повноти звучання. Похмурі звинувачення Джири у сексуальних домаганнях на більш пізньому етапі його кар'єри - розчаровують для артиста, так сильно зацикленого на темах панування та підпорядкування у своїх піснях - тепер ускладнили спадщину Swans, пропонуючи ще більш похмуру версію. - Джеремі Д. Ларсон

Godflesh: Streetcleaner (1989)

Будучи підлітком, Джастін Бродрік приносив хаос та руйнування, куди б він не пішов. Непосидючий син двох учасників сумнозвісного наприкінці 70-х британського панк-гурту Anti-Social, він уже у вісім років слухав «Metal Machine Music» Лу Ріда, а в середині десятирічного віку став піонером ґрайндкору в складі Napalm Death. Для деяких музикантів було б достатньо сприяти зародженню одного жанру. Однак Бродрік продовжував рухатися вперед; залишалося ще більше правил, яким можна було не підкорятися.
Гурт Godflesh утворився, коли 15-річний Бродрік долучився до гурту, що експериментував з драм-машиною, тож він швидко замінив їхній більш спокійний музичний вплив - Killing Joke, The Cure - на більш важкий. Після EP під власною назвою Godflesh відточили свій підхід на альбомі 1989 року Streetcleaner, одній з найбільш безкомпромісних та впливових заяв індустріального металу. Його нігілістичне звучання визначають запрограмовані ударні, низькочастотні й гуркітливі гітари та нелюдське виття болю Бродріка. Наскільки натхненною була музика, настільки ж вона була відображенням внутрішнього збентеження. «Я не міг ні з чим змиритися», - згадує Бродрік про свої підліткові роки. «Усе це було боротьбою, тож я просто хотів завдати удару по всіх можливих цілях». Це не просто кровопускання, «Streetcleaner» залишається шедевром витонченості: Бродрік знищував усе на своєму шляху. - Сем Содомскі

Mica Levi: Under the Skin OST (2014)

Велика частина індустріальної музики присвячена владі: дисбалансу між індивідуумом та соціальною структурою, що його оточує, співвідношенню сил між тим, хто карає та тим, кого карають. Дебютна партитура британського композитора Мікі Леві ідеально вписується до цієї схеми. У рідкісному та моторошному фільмі Джонатана Глейзера «Under the Skin» розповідається про інопланетянку, переодягнену жінкою, яка заманює мимовільних чоловіків на вірну смерть у чорному басейні, перевернувши звичний сюжет про сексуальну хижачку. Як і в сюрреалістичному хорор-фільмі Девіда Лінча «Eraserhead» 1977 року, партитуру якого можна вважати еталоном індустріального кіно, у «Under the Skin» дуже мало діалогів. У просторі, залишеному цією відсутністю, Леві витає у мікротональних струнних та наполегливих звуках. Усе в цьому саундтреку звучить так, ніби його грають екстрено, але неправильно, продовжуючи традицію Einstürzende Neubauten - дряпати речі, поки вони не зазвучать добре. А загрозливий дрон, що навіює мінімалістичні композиції Леві, нагадує про більш спокійні роботи Nurse With Wound. Цілком доречно, що одна з найсміливіших та найпронизливіших індустріальних композицій XXI століття стала темою пісні для жінки, яка розбирає чоловіків на м'ясо, перетворюючи сценарій знайомства, який вправно реалізує інопланетянин, у свою розтрощену голову, що кровоточить. - Саша Геффен

Nine Inch Nails: The Downward Spiral (1994)

Тут Трент Резнор постає у своєму найжорсткішому та найм'якшому образі, граючи і велику людину з пістолетом, або маленьку людину, знерухомлену екзистенціальним відчаєм. У той час як Pretty Hate Machine задав зразок індустріальної поп-музики Резнора й представив цей жанр мейнстриму, The Downward Spiral підштовхнув його до меж його можливостей. Ударні, повновесні біти здригаються у таких штурмових піснях, як «March of the Pigs» або «Mr. Self Destruct», які примудряються перенести лють до приспівівівів, що ефективно виконують функцію поп-хуків. Викривлений бас/скрипка у «Closer» тепер так само миттєво впізнавані, як і тексти приспіву, просочені звіриним гнівом.
Але The Downward Spiral не просто демонструє талант Резнора як бітмейкера; він залишає йому місце також для м'якості. Пісні «A Warm Place» або «Hurt» перетворюють непереборний біль на хвилюючі мелодії, передбачаючи вміння створювати атмосферу, яке Резнор привнесе до своїх творів для фільмів. У складі Nine Inch Nails він часто посилював образ розсердженого білого американця до ступеня пародії, зображуючи крихке розчарування персонажа, у якого немає ресурсів, щоб пояснити свій біль. У «The Downward Spiral» він надає більше відтінків болю, що ховається за люттю, та втілює до життя архетип, на ілюстрацію якого він витратив усю свою кар'єру. - Саша Геффен

Skinny Puppy: Too Dark Park (1990)

Ванкуверський гурт Skinny Puppy - родоначальник індустріальної музики 1980-х років, революційний гурт, який розсунув кордони своїх голосів, почуттів та інструментів так, що навіть через 40 років вони не перестають бути плідними. Їхнє звучання виникло з двох перлин британського андеграунду 1970-х - синті-попу нової хвилі й індустріального експериментаторства - та породило низку рваних, lo-fi груві-синглів, які домінували на альтернативних танцполах 80-х. Рано підписавши контракт з Nettwerk Records, Skinny Puppy також принесли до мас двох культових музикантів/виконавців, CEvin Key та Nivek Ogre, чиї потужні, шокуючі сценічні шоу визначили індастріал десятиліття.
Тоді як хіти Skinny Puppy початку 80-х потрібно слухати, Too Dark Park - це їхній альбом, створений для поглибленого прослуховування. Це дистиляція раннього танцювального darkwave з явним бажанням рухатися далі, на більш щільну територію; це також їхня обіцянка покінчити з токсичним середовищем студійних сесій Rabies. Крім того, додавання у 1986 році піаніста з класичною освітою Дуейна Геттела дало змогу гурту реалізувати більш щільні, більш повновагі композиції. Too Dark Park - це колаж з семплів фільмів жахів, моторошних синтезаторів, думових, поп-орієнтованих ударних та шарів вокальних та інструментальних шумів. Хоча гітара з'являється всюди, вона свідомо стримана, а рваний баритональний рик Нівека Огре глибоко ефективний як sotto voce, його розчарований оповідач класифікує уламки раю через екологічну катастрофу. Як і багато індустріальних артистів 90-х, Огре також замислюється про саморуйнування, спричинене вживанням героїну, у треку «Spasmolytic», який настільки близький до поп-музики, наскільки тільки ці колишні домінатори танцполів можуть бути близькими до поп-музики, - тривожне, глузливе послання з жахливими, сексуальними барабанами. Якраз у той момент, коли індастріал мав стати сенсацією для Америки, і не в останню чергу завдяки їхнім зусиллям, Skinny Puppy справді відмовилися від поп-культури та повернулися до андеграунду. - Дафна Карр

My Life With the Thrill Kill Kult: Confessions of a Knife... (1990)

Гурт Thrill Kill Kult пропагував у своїх піснях вживання наркотиків та поклоніння сатані до такої міри, що потрапив до хіт-листа Тіппер Гор. Піком тріумфуючої розпусти й неприхованого прояву квіру чиказького гурту став альбом Confessions, який не розглядав всерйоз нічого, крім танцполу. Якби Ministry не відхрещувалися так люто від своїх ранніх синтезаторних років, вони могли б звучати приблизно так: злиття клубного фанку та синтезаторів з гуркітливим басом, спотвореним і знущальним вокалом та дзвінкою перкусією. Відвертий вплив диско, повтори чи діалогові семпли індастріалу завершували цю п'янку формулу.
Після випуску «Confessions» Thrill Kill Kult змістилися ближче до техно й здобули хіт MTV «Sex on Wheelz», але кілька з їхніх найгучніших клубних треків знаходяться тут. У «A Daisy Chain 4 Satan» закладена їхня формула: незмінна басова лінія повторюється від початку до кінця, співак Груві Манн виє в чистих муках під бадьорі синтезатори та вокальні семпли дитини-квітки, яка оповідає про наркотики. Все це пронизує до глибини душі. - Сьюзен Елізабет Шепард

SPK: Leichenschrei (1982)

SPK означало багато чого - їхній альбом Meat Processing Section 7'', випущений на Throbbing Gristle's Industrial Records, був приписаний до Surgical Penis Klinik, але частіше вони були відомі як Socialist Patients Kollektiv, назва, яку вони запозичили у німецького колективу пацієнтів, який вважав, що психічні захворювання - це форма протесту проти капіталізму. Грем Ревелл, лідер SPK, насправді працював у психіатричному відділенні у своїй рідній Австралії, перш ніж переїхати до Великої Британії, тож він змушує цей експеримент звучати жахливо в Leichenschraum, з хвилястими синтезаторами та електронною перкусією, яка здригається, наповненою шумами з знайдених звуків з нечленороздільною промовою. («Я видаляю безпосередньо пряму кишку», - оповідає безпристрасний голос на початку «Post-Mortem»). За сьогоднішніми мірками шокова тактика гурту може здатися заїждженою та навіть позбавленою смаку - на обкладинці оригінального альбому було зображено особу, обпалену напалмом, а сенсаційне зображення психічних захворювань, своєю чергою, здається експлуататорським чи позбавленим співчуття. Проте, з точки зору чистого, вісцерального жаху, це настільки захоплююче похмура музика, наскільки це можливо в індустріальній музиці. - Філіп Шербурн

Foetus: Nail (1985)

До моменту виходу альбому Nail музикант австралійського походження Джей-Джі Тірлуелл жив у Нью-Йорку під псевдонімом Клінт Руїн та випускав музику під назвою Scraping Foetus Off the Wheel. (Це була друга назва його «групи», що включала слово Foetus, після You've Got Foetus on Your Breath). Його четвертий повноформатний альбом у всесвіті Foetus, Nail, затягнув до демонічної воронки шведського столу жанрів. Часом Тірлуелл звучить так, ніби він виконує водевіль у пеклі; в інших випадках він передбачає напівкомічну лють, яку Трент Резнор з криками і стусанами потягне до мейнстриму.
За словами Тірлуелла, ось як це звучало в його голові в той час. «Я так близький до цього запису - наче я відрізав ногу та поклав її на штампувальний верстат», - сказав Тірлуелл під час інтерв'ю NME у 1985 році. «Я думаю, що це спроба сформулювати себе й створити свій звуковий еквівалент, яка увінчалася успіхом». Звучить виснажливо, коли в черепі постійно плаває стільки матеріалу, але це ще й захоплююче видовище. Мало в кого з індустріальних артистів вистачало терпіння або бажання повністю присвятити себе такій кількості оперного лайна. Nail - один з найбільш авантюрних релізів Foetus, а також один з найбільш збочено кумедних. - Саша Геффен

Einstürzende Neubauten: Kollaps (1981)

У 1981 році Ерлін був дивним місцем - розділене місто, що застрягло посеред Європи, глухий кут холодної війни. Однак для контркультурної молоді Західного Берліна, що зібралася навколо концепції Geniale Dilletanten («геніальні дилетанти»), він був місцем для радикальних можливостей. Einstürzende Neubauten утілили в собі анархічний дух епохи; їхній дебютний альбом Kollaps використовував безліч електроінструментів, металевого брухту та електронних технологій, щоб з'єднати первісні ритми з жорстким шумом, наклавши все це на гортанний вокал Блікси Баргельд. (Їхня назва, що цілком доречно, перекладається як «нові будівлі, що руйнуються»). Платівка вийшла по черзі брутальною та лякаючою, як у буквальному сенсі індустріальною - досить згадати 35 секунд відбійного молотка, що відкриває «Steh auf Berlin» («Повстань, Берліне»), - так і вірною ширшій меті індустріальної музики - пропустити стратегії авангарду XX століття через структури популярної музики. Це захоплива фуга з брязкоту та хрускоту. - Філіп Шербурн

Nitzer Ebb: That Total Age (1987)

Натхненна такими гуртами, як Killing Joke або Bauhaus, найраніша робота Nitzer Ebb наповнена важкою, мокрою від поту енергією молодості. Вокаліст Дуглас Маккарті вигукує гасла на кшталт «дозвольте своєму тілу згоріти», нагадуючи індустріального інструктора з аеробіки, а Вон Харріс грає на впевненому басі та маніакальних, повторюваних синтезаторах і перкусії. (У групі з Ессекса від самого початку її існування змінювався склад барабанщиків, а Маккарті та Харріс становили основний кістяк).
Ранні сингли гурт випустив на власному лейблі Power of Voice Communications, а на лейблі Mute у 1987 році вийшов їхній дебютний диск The Total Age - збірка, у якій їхня естетика була зведена до синті-панк-компонентів. Того ж року Nitzer Ebb відкривали європейську частину туру Depeche Mode «Music for the Masses», але це були не стільки стадіони, скільки нічні клуби, де кілька людей напиваються і трахаються. (Проте їхня незамінна пісня «Join in the Chant» потрапила на 9-те місце у танцювальному чарті США). Відтоді гурт показав себе у вищій лізі, реформувавшись у 2007 році та виступаючи донині. Однак на цій платівці вони по-справжньому проявили себе, й те, що вони зробили далі, так і не досягло запаморочливих, вичерпних висот цих адреналіново-п'яних гімнів. - Брендон Стосуї

KMFDM: Naïve (1990)

Naïve затвердив KMFDM як гурт, що грає на вечірках, об'єднавши хіп-хоп біти та металеві рифи на глибокі, біг-бітові гімни. Від танцполу до мош-піту німецький гурт був рівною мірою зобов'язаний техно та металу, а їхній галасливий, напрочуд запам'ятовуючийся сплав звуків приваблював прихильників з обох боків. Naïve не обійшлося без розбіжностей - через неочищений семпл з «Carmina Burana» у «Liebeslied» оригінальний альбом було вилучено з прилавків за три роки після виходу - але KMFDM не потрібно було красти елементи свого привабливого звучання, коли вони пробивалися до мейнстріму. Заголовний трек ілюструє здатність KMFDM написати поп-хук, секретну зброю, яка підсолодила убогість. Гумор у їхній творчості - від самозневажливих текстів до того, що вони дозволили журналістам повірити, що їхня назва - це абревіатура від «Kill Mother Fucking Depeche Mode», - також відрізняв їх від своїх самовдоволених індустріальних колег. Але, як казав лідер гурту Саша Конєцко журналістам у 90-х, усі ці відносно веселі елементи відволікали увагу від подвійного тягаря гурту: бути водночас німцями та індустріальним гуртом. - Сьюзен Елізабет Шепард

Killing Joke: Killing Joke (1980)

Дебютна платівка Killing Joke під власною назвою залишила відбитки своїх пальців на готиці, металі, пост-панку й, зрештою, альтернативі. Але, починаючи з гарчання, деформованого вокалу Джаза Коулмана, груву, що чергується, зі скреготом ритмів і рифів, та закінчуючи контрастним зображенням на обкладинці (північноірландські бунтівники, які тікають від британської армії, якщо ви подумали, що цей гурт просто насміхається), альбом залишив найглибші сліди в індастріалі. Здатність Killing Joke використовувати перкусійну, доповнену електронікою какофонію та політичний розпач, а потім розгортати їх через удари головою й тілесні ушкодження, читається як креслення майбутнього кросоверного успіху Nitzer Ebb, Ministry чи Мериліна Менсона. Саме завдяки магічній присутності Коулмана - дикуна на сцені, чиї тексти неодноразово закликають до жахливої смерті старого світу, необхідної для того, щоб почалося щось нове, - Killing Joke стають основою жанру за його власним розумінням. - Шон Т. Коллінз

Nurse With Wound: Homotopy to Marie (1982)

Якщо у карикатурному уявленні індустріальна музика - це галас та лють, то Homotopy to Marie вирізняється своєю пониклою тишею та стійким відчуттям жаху. П'ятий альбом Nurse With Wound створювався протягом року, пізно вночі, тож готичний настрій пронизує його: лідер гурту Стівен Степлтон з'єднує докупи смичкові гонги, приглушені стогони, етнографічні записи, фрагменти кінодіалогів та спалахи чистого нойзу на довжелезні, блукаючі дослідження темного боку музичної концепції. Це схоже на моторошний казковий пейзаж, гру тіней спотворених форм, чий глибокий зміст дражливо ховається на відстані витягнутої руки. - Філіп Шербурн

Nine Inch Nails: Pretty Hate Machine (1989)

Pretty Hate Machine принесла індастріал у маси та є його великим зрівнювачем. Це концентроване втілення всіх розрізнених чеснот Трента Резнора як автора пісень або фронтмена: мелодійна меланхолія, що пізніше зробить його затребуваним кінокомпозитором; любов до таких зірок, як Фредді Мерк'юрі та Прінс, що додала його музиці витончену плавність; гітари, що викликають деренчання, через які ґоти були запрошені на Headbangers Ball; цитати з розповідей Клайва Баркера, бо гра визнає психосексуальну гру. У ній зовнішні джерела люті та гніву, від уряду до капіталістичного класу та коханців, що зрадили, зливаються на один великий катарсис, а для більшої переконливості туди додається ще й пекуча ненависть до себе. - Шон Т. Коллінз

Front 242: Front by Front (1988)

Electronic Body Music - індустріальний піджанр, що об'єднав панківську агресію з клубними ритмами, - вибухнув на альбомі Front by Front. Front 242 вже використовували цей термін на своєму попередньому альбомі, але «Headhunter V 3.0», що став індустріальним хітом з накладеним один на одного колективним вокалом, вивів EBM у мейнстрім. У поєднанні з обов'язковим для серйозних електронних гуртів того часу кліпом Антона Корбейна, він допоміг альбому стати найбільш продаваним за всю історію існування Wax Trax! records. А його бі-сайд, «Welcome to Paradise», став вершиною поширеної серед індустріальної музики практики семплювання телевангелістів.
Те, що у Front 242 беруть участь кілька вокалістів, які іноді виконують мелодійно складні партії, виділяє їх на тлі решти, так само як і точне програмування та невблаганні біти їхньої музики. Рівень енергії впродовж більшої частини альбому перебуває десь між «інструктором зі стройової підготовки» та «класом аеробіки» - невблаганний й, можливо, злісний, але водночас чудово вбраний, що змушує підкорятися. Надихаючись та критикуючи інститути, які їх оточують, - церкву, армію, капіталізм, - «Front 242» все ж відчувають себе перспективними. Їхнє поєднання семплінгу та електроніки здається провидницьким, а їхні мілітаристські розголоси не здаються застарілими ні на одну хвилину. - Сьюзен Елізабет Шепард

Ministry: The Land of Rape and Honey (1988)

Багато сінті-гуртів переходили до індастріалу, посилюючи своє продюсування: посилюючи ударні, загострюючи вокал, вкраплюючи семпли похмурої поп-культури. Внесок Ministry у цю формулу полягав у знущальних, атональних спотвореннях хардкор-панку та брутальній важкості й швидкості треш-металу. Уперше це сталося на The Land of Rape and Honey, першому з трьох альбомів «золотої ери» гурту, що також ознаменував перехід вокаліста Ела Юргенсена від заїждженого британського акценту раннього звучання гурту до демонічно-громовержого майстра співанок, що став його фірмовим знаком. Поєднання індастріалу з металом, створене Ministry, запропонувало екстремальній музиці нову палітру звуків, а також вплинуло на «серйозні» мейнстрімові метал- і рок-гурти, змусивши їх переглянути погляди на клавішні, від яких вони віддалилися за останнє десятиліття. Під нього також можна було танцювати: трек, що відкриває альбом, а також ранній хіт «Stigmata» й досі залишається одним з головних хітів гот-вечірок.
Це була перша з численних назв альбомів Ministry, що порушують табу, ще один невдалий жарт у жанрі, що рясніє гетеросексуальними білими чоловіками, які посилаються на свободу слова та політичну сатиру, щоб виправдати ліричні фантазії про особисте, сексуальне, політичне та релігійне насильство. У той час, коли індастріал піднімався серед американської свідомості, критикиня Енн Пауерс розкрила цю тему у знаменитому есе про «мистецтво-порушника». З погляду сьогодення її останній аргумент викликає суперечки: «Не всяке мистецтво, що претендує на трансгресивність, заслуговує на увагу. Але ви не можете відрізнити лайно від реальності, встановлюючи моральні стандарти. Потрібно встановити художні». Але навіть за стандартами того часу ліричне «мистецтво» Ministry було сумнівним. Однак сила їхнього звучання незаперечна. - Дафна Карр

Cabaret Voltaire: Red Mecca (1981)

Третя частина трійці засновників індастріалу, до якої також входять Throbbing Gristle та Einstürzende Neubauten, Cabaret Voltaire, як правило, отримують найменше визнання з-поміж усіх цих гуртів, бо вони протрималися на сцені так недовго. Почавши як більш прямолінійний пост-панк гурт, англійці згодом перетворилися на сінтіпоп-нью-вейв, у якому й досягли успіху. Але все ж за той короткий термін вони створили цей параноїдальний, клаустрофобний шедевр.
Від майже фанкової «Sly Doubt» до прото-EBM «Spread the Virus», насіння дюжини індустріальних гуртів тут поховане серед серйозного lo-fi продакшену та примітивної електронної перкусії. Центром альбому є похмуро чудова й експансивна «A Thousand Ways», шедевр, що переступив 10-хвилинний рубіж. Розпочавшись з драматичних органних акордів, що тривають протягом усієї пісні, вона побудована на тонкому металевому ритм-генераторі та контрастно насиченій і теплій басовій лінії; її розтягнута довжина, гітарний звук та дроун наштовхують на думку про зв'язок з краутрок-епіками. Апокаліптичні теми, що рухають Red Mecca, розширили захоплення гурту релігійним фундаменталізмом, який, як кажуть, був натхненний американським євангелізмом, з яким гурт зіткнувся під час турне по США. Хоча часто лірично незбагненні, назви на кшталт «Spread the Virus» припускають уявлення про релігійний фундаменталізм по всьому світу як про руйнівну, нездоланну силу, яка прагне до самовідтворення. Skinny Puppy, Nine Inch Nails та більша частина реєстру Warp Records 1990-х років все ще продовжували б підхоплювати ці сюжети десятиліття потому, але моторошна краса тут чарівна. - Сьюзен Елізабет Шепард

Coil: Horse Rotorvator (1986)

Horse Rotorvator - це троянський кінь індустріальної музики. Після вільних дронів дебютного EP Coil «How to Destroy Angels» чи похмурої «Scatology», гурт перейшов до майже несподівано приємного звучання свого альбому 1986 року; перші два треки поєднують танцювальні ударні з яскравими синтезаторами та брязкотливими клавішними, що нагадують про хіт 1984 року Depeche Mode «People Are People». (Учасники гурту Пітер «Sleazy» Крістоферсон та Джон Беланс мали набагато менш мейнстримовий родовід, хоча й були колишніми учасниками Psychic TV та, у випадку Крістоферсона, Throbbing Gristle).
Під блискучою оболонкою альбому, однак, ховалися набагато похмуріші краєвиди: «Ostia», про вбивство італійського режисера П'єра Паоло Пазоліні, містить звук цвіркунів, записаний у Чичен-Іці, піраміді з історією ритуальних людських жертвоприношень. Траурна «Ravenous» - це сплетіння григоріанських піснеспівів, вестерн-риффів, натхненних Енніо Морріконе, й того, що може бути слоновою трубою; зубчасті, схожі на гітарні тембри та терпкий барабанний бій «Penetralia» викликають у пам'яті суворість ранніх Swans або Big Black та додають вільний саксофонний звук. У «Circles of Mania» виразно простежується тема смерті та відродження - тема, що фундаментально сягає корінням тематики альбому: «Я бачив багатьох знайомих, які на той час помирали від СНІДу», - розповідав Беланс у інтерв'ю виданню The Wire у 1998 році. «Ось як мій розум міг впоратися з цим, вірячи, що вони померли, щоб світ продовжував обертатися». - Філіп Шербурн

Einstürzende Neubauten: Halber Mensch (1985)

Einstürzende Neubauten перекладається як «Нові будівлі, що руйнуються», й цей німецький гурт також створював музику за допомогою металобрухту та звичайних інструментів. Одного разу вони намагалися розібрати сцену у Лондоні за допомогою дрилів та відбійних молотків. На чолі з харизматичним, кричущим вокалістом Бліксою Баргельдом, гурт наче одночасно будував та руйнував себе на своїх перших двох альбомах, рухаючись від вільного, зі зворотним зв'язком, фрі-панку 1981 року Kollaps до експансивніших осколків скла Zeichnungen des Patienten O.T.
Halber Mensch став їхньою першою збіркою з залученням стороннього продюсера, Ґарета Джонса, який також працював з Depeche Mode, Wire та Erasure. Neubauten більш глибоко руйнівні, ніж будь-який з цих гуртів, але Halber Mensch - ритмічна, дивно танцювальна платівка, в якій порівну оперного та апокаліптичного. У збірці є все: від акапельних піснеспівів до того, що звучить як німецький рифф з «Вестсайдської історії», що танцює чечітку й клацає пальцями, а також вкрадливі електронні танці, пісня-смолоскип, яку виконують за допомогою битого скла, також звук буквально кухонної раковини. Це розмашисто й гуркотливо, ніби художник-абстракціоніст раптом видав вам щось фігуративне, а потім розбився назад до бризок та розводів. Це натяк на більш блискучі речі, які будуть попереду, але Neubauten ніколи не переставали вивергати музику. - Брендон Стосуї

Throbbing Gristle: 20 Jazz Funk Greats (1979)

Третій студійний альбом Throbbing Gristle, 20 Jazz Funk Greats, - це їхній ідеальний маніфест. Починаючи з його моторошнуватої буколічної обкладинки та неправдивої реклами у назві, платівка є колажованим пейзажем, що складається з безладних ритмів, зухвалих й напружених ліричних образів (наприклад, «У мене є маленька бляшанка з-під печива, щоб зберігати твої трусики в ній») або розірваних шумів. Як гурт, Дженезіс Пі-Оррідж, Козі Фанні Тутті, Кріс Картер та Пітер «Sleazy» Крістоферсон створили моторошну суміш з примарних піснеспівів, сленгу та розмовних завивань на тлі саморобних касетних семплерів, бластерів, викривленого корнета, запрограмованих ударних і викривленої гітари. Кожен учасник Throbbing Gristle був окремою фігурою, що робила свій внесок у харизматичне ціле. Але це завжди було схоже на обдурювання - занадто багато уваги приділяти тому, хто що робив у той чи інший момент. Магічне змішання та непізнаваність були частиною задоволення.
Ще й частиною шоку: Щойно слухач починає звикати до життя у понівеченій музичній скриньці Jazz Funk, гурт пропонує блискуче, гуркотливе електродиско «Hot on the Heels of Love», скріплене придихальним шепотом Фанні Тутті, танцювальним тріском або ніжними нотами віброфону. Вони заснували свій власний світ - створили тріснутий каркас для індустріальної музики, наповнили його своєю власною нікчемністю й подальшими сайд-проєктами, а потім з посмішкою розірвали його на частини. - Брендон Стосуї

- pitchfork.com